En la Edad Media se produjeron en la península Ibérica grandes transformaciones: La caída del Imperio romano, la llegada de los visigodos, la conquista árabe y la reconquista son los hechos más conocidos, sin embargo, la realidad no fue tan simple y son numerosos los estudios que plantean cuestiones complejas cuyas respuestas siguen generando debates.
Fernando Bellver se adentra de la mano de historiadores y cronistas de la época, ya desde el islam o desde la cristiandad, para comprender el desarrollo de los acontecimientos, las formas de vida, los cambios en la población, las ciudades, el campo o la legislación de las dos culturas, que se influyeron de forma recíproca y legaron una cultura que podríamos denominar ibérica. Hablamos de un tiempo con oscuridades, violencia y odio, pero también de períodos de grandes progresos en la medicina, la tecnología o los estudios. Es imperativo entender que las influencias de los distintos pueblos enriquecen y explican la historia y no se puede entender la península sin la cultura romana, cristiana, visigoda o musulmana, porque todas forman parte de un legado, y entender que este no se borra con conquistas, reconquistas o expulsiones nos ayuda a comprender nuestro presente.

Durante la llamada Belle Époque, París se convirtió en el centro cultural del mundo. Un período en el que la relativa paz, los avances científicos, tecnológicos y las nuevas obras de ingeniería invadían un mundo en el que la ociosa burguesía buscaba salir de su hastío con la celebración de grandes banquetes, fiestas donde corría el champán, y las mujeres y hombres abrazaban el adulterio sin sonrojo y los grandes acontecimientos mundiales celebraban cada nuevo invento como una carrera hacia un futuro sin límites a la imaginación. París era una ciudad bulliciosa en la que los artistas estaban agitando las reglas establecidas, era el período de la Bohemia, de los espectáculos de cabarets, de los grandes viajes a tierras ignotas en búsqueda de nuevos paraísos. Un cóctel ideal para crear nuevas formas artísticas que mostraran una visión del mundo nueva y vanguardista. Los llamados artistas bohemios, desde los pintores callejeros, músicos de taberna o escritores experimentales, buscaban contentar a los espectadores ávidos de un nuevo discurso. Así nacen las vanguardias artísticas que cambiarían nuestra concepción del mundo del arte para siempre.
Shattuck escoge en este libro a cuatro representantes como ejemplo del período, un poeta, Apollinaire; un pintor, Henry Rosseau; un músico, Erik Satie, y un escritor, Alfred Jarry, cuyas vidas y su búsqueda de nuevos registros son representantes perfectos de esta época y nos sumerge en este París loco, divertido y creativo, pero también despiadado y exagerado.

Desde que el Romanticismo convirtió a Shakespeare en el santo de su máxima devoción, su obra ha ido creciendo en importancia hasta verse reflejada en la plétora de estudios, traducciones, producciones teatrales y películas que hoy se le dedican. Sin embargo, su propio relieve nos hace a veces olvidar que Shakespeare no fue bien acogido a su llegada al continente europeo en el siglo xviii. A España llegó entonces tras pasar por la aduana cultural francesa como el monstruo salvaje descubierto y creado por Voltaire, y trayendo consigo la controversia neoclásica sobre sus vicios y virtudes. La polémica invitaba a tomar partido, y en España lo tomaron y mantuvieron durante varias décadas la mayoría de quienes escribieron sobre él. Si los clasicistas le atribuían multitud de defectos para muy pocas virtudes, después se invirtieron los términos, y el reconocimiento de su excelencia fue haciendo inoperante tal debate.
Shakespeare llega a España es un estudio crítico de los hechos y problemas que rodearon la presencia de Shakespeare en nuestro país desde sus primeras manifestaciones en el siglo xviii hasta el Romanticismo, en que finalmente se aceptó y admiró su obra después de varias décadas de rechazos, suspicacias y debates.

Los once cuentos que forman este libro, mi particular forma de describir «la velocidad de la oscuridad», hablan, en su mayoría, sobre los obstáculos en la niñez. Algunos obstáculos son pequeños y casi imperceptibles para el propio protagonista, y otros, tan enormes que están a la vista de todos y ralentizan el crecimiento hacia la vida adulta. Todos ellos emergen de algún recuerdo que oscurece la infancia y que va en busca de la luz, que es el deseo más secreto de toda oscuridad.
La velocidad de esta oscuridad anhelante es lenta, al contrario que la velocidad de la luz, su gemela opuesta, que en un instante acelera la plenitud de todos los seres vivos. Igual que la luz inunda de inmediato una vida, la oxigena y la vuelve alegre, un rayo de oscuridad recibido en algún momento de la infancia suspende el crecimiento, enrarece el ambiente durante mucho tiempo y convierte el mandato biológico de vivir en la necesidad psicológica de sobrevivir. Así, crecer, avanzar, se vuelve lento, difícil, y a veces imposible, y de eso adolecen los personajes de mis cuentos.
De eso y de soledad, porque quien crece a la velocidad de la oscuridad se siente solo, aunque no lo esté. En ese espacio-tiempo les resulta difícil distinguir a los que están a su lado. Son los susurros y la respiración cercana de los que están junto a ellos, agazapados en la mancha oscura, los que les hacen ver, aunque sea años después, que sin ellos saberlo sí estuvieron acompañados.
El número de cuentos es once, un número impar y, por ello, condenado a no hermanarse con ningún otro número, a no compartir su ADN, circunstancia que lo individualiza y distingue del resto.
Los personajes de estos once relatos, la mayoría femeninos, están unidos por ese rayo de oscuridad que, en algún momento de su desarrollo personal, los alcanzó. A alguno de ellos, ese relámpago de oscuridad se lo lanzó uno de esos «dioses» que nos rodean en la niñez: un abuelo maltratador, una madre desentendida, una bisabuela que arrastra una vida fantasmal, un marido incompetente? Otros, se tropezaron con la oscuridad por pura mala suerte: la muerte o enfermedad de sus padres, la migración malograda, unas capacidades intelectuales o unos rasgos físicos al margen de la normalidad. Unos, los que más, finalmente alcanzan la luz, de la forma más simple que pudieran imaginar; pero otros, se quedan sumergidos para siempre en la oscuridad.

El grupo Nós ha desempeñado un papel decisivo en las letras, la cultura y la política gallegas. Formado por Vicente Risco, Castelao, Otero Pedrayo, Florentino Cuevillas y Antón Losada Diéguez, personalidades de perfil muy diferente, participaron todos ellos en el Seminario de Estudos Galegos (1923), institución que se movía en el marco renovador al que también pertenece la Junta de Ampliación de Estudios, es decir, en el ámbito regenerador de la vida cultural, política y moral de los años treinta en España. Contribuyeron de forma decisiva a la configuración de un nacionalismo gallego que apostaba por la modernidad y rechazaba la visión tradicional y folclórica de la sociedad gallega. La sátira y la ironía de Castelao, las narraciones de Otero Pedrayo y de Vicente Risco, la actividad científica de Antón Losada y de Florentino Cuevillas configuran un momento ejemplar de la nueva cultura gallega.

Cuando Wollheim publicó la primera edición de su libro, la pregunta «¿qué es el arte?» se había impuesto entre los estudiosos de la estética y la teoría del arte, pero también entre los críticos y, en general, los amantes del arte. La evolución de la vanguardia había sembrado un notable desconcierto al romper con las pautas tradicionales de lo artístico. Cuando Wollheim publicó la edición definitiva, que presentamos ahora en La balsa de la Medusa, el desconcierto no solo seguía presente, había aumentado. En la actualidad, la pregunta sigue latiendo con toda su fuerza. El autor no pretende contestarla directamente, y así lo dice en las primeras páginas, sino a partir de las manifestaciones artísticas, de sus características, la condición del artista, también la del receptor y la del crítico. Y lo hace en un riguroso debate con las principales teorías que se han elaborado, Croce, Collingwood, Wölfflin, Gombrich, Dickie, etc., y, conviene también decirlo, con un debate riguroso consigo mismo.

Nada de lo que los antiguos maestros grecolatinos escribieron ha dejado de importarnos, de iluminarnos, de darnos rostro y alma, y, dentro del teatro trágico, Electra y Medea son, junto a Antígona, Fedra e Ifigenia, las heroínas que más inspiraron a los dramaturgos posteriores como O´Neill, Hofmannsthal, Anouilh, Giraudoux, Marina Tsvietáieva, Alfonso Reyes, Jean-Paul Sartre, Marguerite Yourcenar o Virgilio Piñera, por hablar solo de autores del siglo xx.
Al escribir en el año 2012 Electra, Vicente Molina Foix, siguiendo la estela de los escritores de todos los tiempos que fueron a los orígenes del drama para abastecerse y revalidar su lección, confiesa en el prólogo que ha hecho a esta edición haber querido ser un ferviente infiel: a partir de la variante argumental de Eurípides su intención es plasmar libremente una tragedia familiar que rememora hechos remotos sin perder resonancia en nuestra conciencia contemporánea, ampliando el papel de la reina Clitemnestra (antagonista esencial de la obra), y dando mayor desarrollo y relieve a personajes como el Ayo y el Labrador, aquí llamado Alceo. Respecto a Medea, escrita en 2015, se trata de un personaje doblemente legendario, porque a la suya le precede otra leyenda no menos poderosa, la del viaje en busca del Vellocino de Oro emprendido por los Argonautas al mando de Jasón. La Medea de Molina Foix refleja el mundo soñado de esta mujer impetuosa y los antecedentes de la conquista del sagrado trofeo, fundiendo la persona y las artes de la princesa hechicera con la silueta del marino desposeído de su reino y su orgullo guerrero. Y todo ello sobre el fondo de una crisis de pareja hecha de intereses, miedos y amor violentamente defraudado.
Este libro recoge los textos completos de las dos tragedias, estrenadas ambas en el Teatro Romano de Mérida con la dirección escénica de José Carlos Plaza y la interpretación en el rol titular de Ana Belén.

«"Kruschev se cabrea" es uno de los libros de historia más entretenidos e interesantes que jamás leerás» (Washington post)
En el año 1959 la guerra fría estaba en su apogeo; dos superpotencias tenían la capacidad de destruir el mundo gracias a la bomba atómica, las tensiones estaban a flor de piel, en los colegios estadounidenses se explicaba a los niños cómo actuar ante la posible aniquilación del mundo, las familias construían refugios nucleares bajo el jardín trasero de sus casas, las amenazas diplomáticas estaban a la orden del día; en estas circunstancias sucedió un hecho que pudo cambiarlo todo, Nikita Kruschev quería visitar Estados Unidos para conocer el país que amenazaba con destruir, y, sorprendentemente, el presidente Eisenhower aceptó invitarle; a partir de ese momento empezó lo que puede considerarse el capítulo más cómico e ilustrativo de toda la guerra fría. Diplomáticos, políticos, empresarios, policías, militares, actores, cantantes y, sobre todo, una legión de periodistas empezaron a preparar cada uno de los días en los que el líder soviético recorrería parte de los Estados Unidos.
Nadie quedó indiferente a esta aventura extraordinariamente contada por Carlson que comenzó con Kruschev llegando casi a las manos con el entonces vicepresidente Nixon; pasa por un encuentro en Hollywood con Marilyn Monroe, quien resumió el mismo con un ?me miró como un hombre mira a una mujer?, con Frank Sinatra haciendo de maestro de ceremonias y con Shirley MacLaine bailando el can-can ante la nerviosa mirada del matrimonio Kruschev. Todo el viaje tiene componentes de tensión, situaciones surrealistas
y grandes dosis de humor, pero fue también la primera vez que los dirigentes de dos grandes países se muestran tan humanos e imperfectos, tan frágiles y tan cercanos que empezó a cambiar la percepción sobre el poder en la opinión pública. No podemos dejar de referirnos al título, extraído de un titular del New York Daily News cuando Kruschev entró en cólera porque no le dejaron visitar Disneylandia.

El viaje a Oriente tiene su esplendor desde finales del siglo xviii, con las campañas napoleónicas, hasta finales del si- glo xix, con la caída del imperio Otomano y la apertura del canal de Suez. Este libro analiza los distintos viajeros que dejaron su impronta, ya fuera con escritos, actos o dibujos, en viajes con fines tan diversos como científicos, arqueológicos, espionaje, aventuras o por el simple placer de conocer lo desconocido y peligroso, como los lugares sagrados de Arabia, prohibidos a cualquier occidental. Porque si en algo caracterizó la visión occidental de Oriente fue sobre todo ese afán por lo desconocido, culturas pretéritas de gran belleza y sofisticación, sociedades y costumbres ajenas a lo occidental, con tribus nómadas y ciudades milenarias asentadas entre dunas del desierto y montañas de rocas rojas, o entre jardines de jazmines, olivos y árboles frutales. Pero también el misterio del Serrallo, las narraciones de grandes proezas y misteriosos tesoros, la identificación con el mundo helenístico y romano o las fuentes de las escrituras sagradas. Era un viaje en el tiempo con el anhelo por conocer los orígenes del hombre moderno, un ?Grand Tour? oriental a modo de descubrimiento de uno mismo, aderezado con la posibilidad de vivir grandes desafíos, no el menor de ellos contestar a las grandes preguntas, quiénes somos, de dónde venimos y a dónde vamos. La importancia de los viajeros a Oriente en este tiempo está tan representada en nuestra cultura, en las artes, pintura, arquitectura, literatura?, como lo es en nuestra visión del mundo y su reflejo en el presente.

Robert Schumann escribió este libro en 1848 como parte de la obra Album for the Young. Estos consejos siguen siendo hoy en día uno de los textos más influyentes para músicos de todas las categorías. Steven Isserlis, uno de los chelistas más famosos del mundo y autor de dos libros sobre las vidas de varios compositores que se han convertido en referencia por su humor y agudeza, ha ampliado el texto con comentarios y consejos de su propia cosecha, actualizando las sabias palabras de Schumann y dándole un giro más práctico, humorístico y profundo que consigue actualizar el texto para hacerlo imprescindible a cualquier persona, de cualquier edad, que quiera ser músico o que simplemente ame la música.
Robert Schumann fue un innovador, sus obras anticiparon muchos de los temas que, 150 años después de su muerte, continúan desarrollándose; prácticamente todos los compositores importantes reconocen su influencia e importancia. Pero fue también un innovador en el trato que dispensaba a los niños y jóvenes aspirantes a estudiar música, involucrándose en su educación. Este libro es fiel reflejo de su pensamiento, e Isserlis un magnífico compañero, cuyo interés en fomentar el amor a la música en los jóvenes, y no tan jóvenes, lo desarrolla en conciertos, clases y conferencias.